*Tradução livre a partir do artigo original publicado em 23 de março de 2021. Caso deseje visualizá-lo, acesse: https://magazine.weverse.io/article/view?ref=main&lang=en&num=120
CONHECENDO A ARTE MODERNA E CONTEMPORÂNEA COREANA COM O RM:
Dê uma olhada nos principais artistas indicados pelo músico
Mesmo quando você tem apenas um interesse passageiro em alguma coisa, se você fizer isso junto com outra pessoa, você pode sentir a antecipação da cabeça aos pés. É inevitável sentir união, mesmo se estiverem em lugares diferentes, quando compartilham seus pensamentos e sentimentos - as conversas durante esse momento particularmente íntimo te aproximam um pouco mais dessa pessoa que parece distante.
RM, o líder do BTS, é rápido em mostrar seu amor e olhar apaixonado pela arte. Ele não se limita a meramente falar sobre artistas e obras de arte que admira. Ele compartilha esse carinho com muitas pessoas fazendo doações para causas relacionadas à arte e isso é possível porque ele é apaixonado pelo prazer que a arte tem a oferecer. RM diz que se sente descansado e inspirado depois de ver arte, o que por sua vez nos torna mais curiosos sobre as artes também.
Como é o mundo da arte aos olhos de RM? O crítico de arte Jangro Lee explora essa questão ao entrar em detalhes sobre os artistas e obras de arte nas quais o músico está mais interessado.
KIM WHANKI
Artistas e o público em geral agora têm mais oportunidades de se comunicar por meio de várias mídias e, portanto, além de seu trabalho, os fãs também estão prestando atenção às ações dos artistas. É o caso de uma foto de RM em pé com "Canção Eterna", uma das obras de Kim Whanki, quando foi exposta no Museu de Arte de Seul.
Um artista poderia imaginar uma maneira mais brilhante de dizer que quer estar conosco para sempre? Enquanto estudava em Paris, Kim pintou esta abordagem moderna da estética coreana, um trabalho que não é diferente do desejo de um fã de que seu artista favorito se mantenha em seu ofício por muito tempo.
Kim Whanki, Eternal Song. 1957. © Whanki Foundation and Whanki Museum.
Kim faz uso frequente de temas naturalistas nesse trabalho e imagens que ele sente que melhor revelam as emoções coreanas, e as pinceladas grossas na tela maximizam o impacto da textura, uma característica notável nas obras da cena artística de Paris da época.
Kim concentrou-se durante esse período de sua vida na produção de obras que soassem poeticamente coreanas, ao mesmo tempo em que trocava ideias com seus contemporâneos mais conhecidos. Ele descreveu as qualidades únicas encontradas em suas obras-primas como sendo semelhantes às suas próprias canções e, portanto, estava basicamente procurando escrever as suas próprias. Quando visto dessa perspectiva, "Canção Eterna" parece ainda mais significativa. Imagens como pássaros, montanhas, veados, nuvens, cerâmicas e muito mais simbolizam a imortalidade da natureza e da tradição.
Como as canções que há muito são consideradas poemas com som, Kim mostra em sua tela a linguagem formativa em que poemas ricos em imagens são escritos. A técnica disciplinada e o uso harmonioso da cor, personificados pela composição plana e forma simplificada, caracterizam esse trabalho, considerado para capturar totalmente as visões e identidade de Kim como um artista plástico e escritor literário.
No entanto, o estilo de Kim não parou de evoluir aqui. Depois de algum tempo em Nova Iorque, ele seguiu em frente para criar sua série amplamente reconhecida de pinturas de pontos em tela inteira. Ele faz uso de pontos repetidos como estrutura básica, mas as linhas em torno dos pontos nas telas de Kim e as mudanças repetidas em suas cores são totalmente originais. Uma de suas séries de pinturas mais famosas, "Onde, em que forma, nos encontraremos de novo?", cujo nome deriva da linha final de um poema de Kim Kwang-seop intitulado "Na noite", está repleta de uma exibição impressionante desses pontos azuis, que por sua vez representam os pensamentos do artista e a saudade de seu país de origem. As pontas não são limpas, mas diluídas e manchadas, cobrindo a tela em diferentes tons de azul. Os pontos borram e se espalham, encontrando-se e estendendo-se de uma série de elementos solitários em uma forma aberta e expandida para demonstrar a harmonia de moderação e magnificência. Com essas técnicas mostrando as diferenças em seus métodos, mas o uso consistente de temas coreanos e do naturalismo, as obras de Kim permanecerão para sempre como canções eternas.
Kim Whanki, Where, in What Form, Shall We Meet Again? 1970. © Whanki Foundation and Whanki Museum.
LEE UNGNO
A arte moderna coreana começou na era do artista e continua até hoje. A força motriz que mantém a corrente em movimento, apesar da história desgastante do país, são os artistas que criam dentro de seu escopo e constantemente pressionam por mudanças, e portanto o mundo mostrado na obra desses artistas é, sem exceção, uma projeção baseada na realidade do mundo que eles experimentaram.
Lee Ungno, Bamboo. 1971. © Lee Ungno Museum.
RM postou uma foto online de "Bambu", de Lee Ungno, dizendo a seus fãs que ele visitou a exposição chamada The Square: Art and Society 1900–2019 no Museu Nacional de Arte Moderna e Contemporânea. RM também mostrou seu amor pela arte destacando a série "Pessoas" e apontando que se trata de um trabalho posterior do mesmo artista.
A obra de arte de Lee é particularmente interessante quando revisada cronologicamente, pois isso enfatiza sua mudança de estilo. Seus primeiros trabalhos foram sobre as chamadas quatro graciosas plantas a tinta, que o estabeleceram firmemente no campo da arte tradicional coreana. Lee tinha um profundo interesse e afeição pelo bambu: Diz-se que ele fez pinturas exclusivamente de bambus durante os sete anos após sua vitória na Exposição de Arte Joseon em 1924.
O bambu na arte é tradicionalmente associado aos nobres, sugerindo pensamento correto e integridade. A maestria de Lee como mukjukhwa, ou pintor de bambu na tinta, que ele fomentava desde a juventude, é claramente aparente em "Bambu", a pintura de Lee de 1971 que RM postou. O bambu é realisticamente expresso com variações na saturação da tinta em telas que atingem três metros de altura e dá as boas-vindas ao público no que parece ser uma verdadeira floresta de bambu. O trabalho de Lee durante esse período é particularmente vibrante e ele enfatiza as folhas do bambu, bem como as variações nas juntas, de forma mais expressiva do que antes.
Embora essas obras permaneçam no gênero mukjukhwa, podemos ver as mudanças no estilo de Lee ao longo do tempo. Em seus últimos anos, Lee passou a criar a agora familiar série "Pessoas", que mostra uma multidão de figuras humanas pintadas com pinceladas que lembram caligrafia. As figuras nas pinturas parecem correr em uma direção, como se o velho Lee expressasse a vitalidade do espírito humano além do reino da história e da civilização.
Lee Ungno, People. 1988. Image courtesy SmartK.
YUN HYONG-KEUN
Como vimos, é natural que o caráter de um artista - ou seja, seu espírito e atitude em relação à vida - seja incorporado em seu trabalho. Esse senso de caráter e as imagens que ele produz são a principal força por trás de nossa capacidade de apreciar a obra de arte, permitindo-nos ser imersos em um profundo fascínio ao vê-la.
Pelo que vimos, RM é atraído e intrigado pela arte de Yun Hyong-keun, tendo visitado exposições em Seul, bem como em Veneza e Nova Iorque durante uma viagem. Essa não é uma tarefa fácil sem paixão, o que torna fácil ver o interesse e o carinho que RM tem por Yun e seu trabalho.
Yun Hyong-keun, untitled. C. 1966. Image courtesy Muum.
As obras de Yun, como RM entusiasticamente observa, diferem dependendo da idade do artista quando pintou qualquer uma em particular e ele é mais conhecido por sua dansaekhwa, ou pintura monocromática, mas as primeiras obras pintadas em sua juventude são abstratos brilhantes.
O sentimentalismo lírico de seus primeiros trabalhos parece ter sido um reflexo da influência do mentor e sogro, Kim Whanki, sobre Yun, mas após uma falsa acusação de violação das leis anticomunistas e sua subsequente libertação da prisão, o trabalho de Yun assumiu uma atmosfera mais sombria e cores com as quais mais prontamente o associamos hoje.
Os observadores ficam invariavelmente com uma impressão intensa do ressentimento e da tristeza que angustiava Yun quando olham para as colunas pretas em sua tela. O tom de preto, uma reminiscência de tinta, não foi realmente criado com tinta preta, mas como resultado das camadas de umber (um pigmento natural marrom ou marrom avermelhado) queimado (vermelho profundo) e ultramar (azul profundo) aplicadas repetidamente à tela. As tintas são colocadas em camadas sobre a tela preparada com cola para que as cores corram livremente, exibindo as várias cores que parecem se espalhar involuntariamente, mas sutilmente na escuridão. Da mesma forma, o espectador pode ler a complexa emoção atmosférica das faixas verticais de cor em sua série vitalícia, "Umber-Blue", pois elas se misturam com o espaço em branco das margens externas. Como as cores e as margens das obras variam de acordo com a época e a situação em que cada uma foi pintada, a imersão total em uma determinada obra vem de uma análise adequada do ambiente e do processo de pensamento de Yun na época em que ele estava pintando.
Yun Hyong-keun, Umber-Blue. 1973. Image courtesy National Museum of Modern and Contemporary Art.
KWON DAE-SUP
Até este ponto, discutimos principalmente pinturas, mas elas não são as únicas obras de arte que incorporam a história e as tradições coreanas. Isso não significa que as obras herdadas da tradição sejam sempre excluídas da lista de gêneros artísticos, mas nenhuma lista estaria completa sem a cerâmica de Kwon Dae-sup.
RM, que postou uma foto sua com um dos jarros de lua de Kwon em seus braços, referiu-se com admiração a Kwon como um mestre da estética coreana enquanto via seus trabalhos em uma exposição. Os jarros de lua, peças de porcelana originalmente feitas no final do período Joseon, são cerâmicas coreanas representativas, famosas por sua suave cor branca e curvas.
Embora tenha se formado em pintura, Kwon ficou fascinado com a forma e a imagem dos jarros de lua e desde então trabalha como ceramista. É natural que os jarros de lua de Kwon - que ele vem trabalhando e aperfeiçoando há tempos, e que são feitos usando o espírito e as técnicas associadas à porcelana branca tradicional - sejam reconhecidos como obras-primas. Eles são um refinamento da forma básica do jarro lunar, limpo e livre de defeitos, com um minimalismo bem adequado às sensibilidades modernas.
Kwon Dae-sup, Moon Jar. Image courtesy K Auction.
Como grandes jarros de lua são difíceis de fazer em uma única peça, a parte superior e a inferior devem ser trabalhadas separadamente e fundidas usando habilidades altamente refinadas - um processo que ressalta a distinção entre estética e acabamento para cada artista individual, com as inevitáveis imperfeições no formato redondo que aumenta a beleza de cada frasco.
Embora sempre brancos, o fato de o artista controlar a clareza ou a nebulosidade dos frascos ao manobrar o fogo no forno mostra o quão difícil é o processo. A qualidade discreta, porém calorosa, do jarro lunar se reflete na sinceridade não afetada desses detalhes. Esse equilíbrio refinado revela o desejo de Kwon de criar algo simples e tradicional, enquanto pequenas irregularidades conferem a cada frasco uma efervescência única.
Nas mãos de um artista com sensibilidades modernas, esse processo de criação de cerâmica tradicional como o jarro de lua aponta com precisão onde a tradição se cruza com a modernidade e enriquece nossa experiência estética como espectadores.
JOUNG YOUNG-JU
Assim como podemos encontrar conforto e cordialidade nos elementos tradicionais de uma obra, às vezes nos encontramos, embora sem saber por quê, ansiando por algo quando as emoções de nosso passado ressurgem. Talvez seja por isso que "Cidade, Paisagem Desaparecendo", da artista Joung Young-ju, e a emoção que desperta parecem tão familiares.
Joung Young-ju, Disappearing Hometown 730. 2020. From the artist’s Blog.
As obras da série, que capturam cenas de antigas favelas, parecem tão realistas quanto uma fotografia, mas são feitas com a técnica de papier collé, que incorpora diversos materiais fixados em uma tela. O papel tradicional coreano conhecido como hanji é enrugado e revestido com tinta acrílica para realçar a paisagem de um antigo bairro, mostrando traços do tempo conforme a cor e a textura do papel adquirem um efeito tridimensional.
Fiel ao nome da série, a perspectiva faz com que as casas em "Paisagem Desaparecendo" apareçam borradas, em linha com o tema de evocar memórias do passado antes que tudo desapareça. Joung derrama seus sentimentos pessoais de conforto associados a uma pequena cidade natal em seus trabalhos, de modo que aqueles que os vêem inevitavelmente sentem uma nostalgia calorosa, independentemente de terem visto essas coisas pessoalmente ou não.
Curiosamente, em sua recriação de ternas memórias da vizinhança, Young não inclui uma única pessoa na imagem. A provável razão pela qual sentimos a vivacidade e nostalgia em cada pintura, apesar da ausência de pessoas, é a variedade de casas bem iluminadas que preenchem a tela. Como sempre acontece, o que vemos à primeira vista não é tudo o que nos dizem e é bastante fácil imaginarmos todas as pessoas da vizinhança passando o tempo em suas casas. Nossa imaginação nos leva a um lugar de memória lírica nas obras de Joung.
KANG YOBAE
A memória e o significado associado a ela são diferentes para cada pessoa. O artista Kang Yobae, que nasceu e foi criado na Ilha de Jeju, associa a memória principalmente com o tempo e o lugar no que se refere especificamente a Jeju. Seu trabalho se concentra na natureza e na história da ilha.
Kang Yobae, Flowers and Weapon. 1977. Image courtesy National Museum of Modern and Contemporary Art.
RM mencionou um livro que tem lido recentemente: "A Profundidade da Paisagem", uma compilação da arte de Kang ao lado de seus escritos pessoais que exploram sua vida e obra.
O livro, uma investigação sobre o pensamento e a lógica que Kang colocou em sua arte, é uma leitura intrigante por si só, mas é particularmente notável considerando o quão raro é para os artistas coreanos escreverem sobre seu próprio trabalho.
O livro de Kang começa com a frase: “Fui criado na ilha e voltei para ela”. Uma figura proeminente do movimento de arte Minjung da década de 1980, Kang encheu suas pinturas com as memórias dolorosas, mas poderosas de sua cidade natal e, especificamente, do levante de Jeju. No entanto, muitas de suas obras lançam luz sobre o lado natural da ilha também. Ele mistura pinturas de paisagem tradicionais com técnicas ocidentais e mostra todas as quatro estações, mas há mais acontecendo na tela do que o que pode ser imediatamente aparente.
A memória da paisagem de Kang é repleta de vida e histórias, tornando-a necessariamente diferente de como é vista pelos olhos dos espectadores. Embora eles olhem para o mesmo mar e céu que ele, Kang reconstrói as cenas por meio de sua memória da história por trás e das histórias contidas nelas. Mais notavelmente, o vento, um elemento comum de sua obra, é pintado com pinceladas delicadas e irrestritas para capturar o sentido de tempo e lugar e o ambiente animado nele. Os ventos ilustrados por Kang tocam os corações dos observadores com aquilo que seu próprio coração enfrentou e suas opiniões a cada momento ao longo de sua vida.
Kang Yobae, South Wind 1. 1992. Image courtesy Dolbegae Publishers.
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